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El retorno de Shakespeare
Se hará el silencio, esperando la irrupción de los actores en el escenario, pero las luces se mantendrán incambiadas, brillando tanto sobre las tablas como sobre la platea. Entonces, aunque sea por dos horas y cuarenta minutos, el Auditorio Adela Reta perderá su techo y se trasladará al costado del río Támesis, convirtiéndose, por esos instantes, en el teatro más conocido del mundo.
Luego de traer Hamlet, la tragedia por antonomasia de William Shakespeare, el Globe Theatre retorna hoy a Uruguay con Mucho ruido y pocas nueces, una de las comedias más destacadas del dramaturgo inglés.
No obstante, la obra, que dará fin al Festival Internacional de Artes Escénicas (Fidae), no se representará con el estilo usual de las interpretaciones extranjeras, sino que encarnará la esencia de su autor y su teatro, fundado en 1599 y reconstruido en 1614 y en 1997.
"El Globe tiene una capacidad de 1.500 personas, pero la estructura del teatro supone que todo el mundo está muy cerca. Las obras se hacen de día, entonces la relación entre los actores y la audiencia es muy íntima, podemos hacer contacto visual con cada persona del público. Cuando estamos en otros teatros, pedimos que las luces también estén sobre la audiencia para que podamos seguir compartiendo", comenta la actriz británica Joanne Howarth, que interpretará a tres personajes diferentes en Mucho ruido.
Medida por medida
Definida como una comedia de enredos amorosos en la que dos personajes enfrentados se unen, la obra "es una historia universal de personas opuestas que se atraen", señala la actriz principal, Emma Pallant. "Es algo que pasa en todo el mundo. Ver cómo se revierte la fortuna es algo muy satisfactorio para la audiencia".
Según Howarth, sin embargo, Mucho ruido no puede ser definida únicamente como una comedia, ya que incluye momentos de tragedia que son claves para la historia. Por su parte, Pallant también introduce matices, ubicando a la puesta en escena como un maridaje entre lo clásico y lo moderno.
"Es un poco de ambos. Sigue un modelo que era utilizado cuando las obras fueron escritas, en una época en la que los teatros londinenses estaban cerrados por la plaga, entonces se hacían las obras a menor escala en otras partes del mundo", señala Pallant.
Con solo ocho actores, una vestimenta atemporal y una escenografía inspirada en lo italiano, Mucho ruido fue diseñada especialmente para un desmonte ágil que le permita presentarse de forma itinerante a lo largo del mundo.
"Las obras las pensamos para las giras. Antes de arrancar la temporada ya sabemos cuáles van a girar y cuáles no. En este caso, la puesta que van a ver es exactamente la misma que la que mostramos en el Globe hace cinco semanas", señala la productora de la compañía, Malú Ansaldo.
La similitud con el original se mantendrá incluso en el lenguaje, ya que, mientras que los actores realizarán sus interpretaciones en inglés, el público podrá seguir el diálogo a través de subtítulos en español.
La fierecilla domada
A pesar de tener ciertos temores sobre la barrera idiomática, los actores se sintieron más seguros sobre la recepción del público tras los primeros montajes en Chile, la semana pasada. "Como algunas personas van a entender sólo la traducción, nos preocupaba que no todos comprendieran el humor, pero las audiencias lo siguieron igual. Esta obra es muy graciosa, pero también muy conmovedora. Hay partes perturbadoras, y podíamos sentir, en el silencio del público, que ellos estaban con nosotros", comenta Howarth.
Para Ansaldo, existe una complicidad con el público no siempre generada desde la palabra hablada, sino también desde lo físico, desde el gag. "No creo que el lenguaje tenga que ser un freno o algo que nos de miedo a la hora de ir al teatro. Al revés, tiene que ser un incentivo porque quizá nos permita apreciar otras cosas", agrega la productora.
Según destaca Horwath, el vínculo con el público es uno de los elementos fundamentales de las obras del autor, que originalmente procuraban el contacto visual con el público e incluso su interpelación. Según la actriz, Shakespeare "escribió estas obras para tener contacto visual. Si podemos tenerlo, aunque sea con gente que está levantando la mirada para ver los subtítulos, eso ayuda" a mantener el espíritu primigenio.
Mientras que Howarth considera que ese nexo le ha ayudado a ser una actriz "más valiente", para Pallant supuso una nueva luz con la cual mirar a las obras del autor británico. Uno de los descubrimientos principales"es que un soliloquio nunca es una persona hablando consigo mismo, sino que es una conversación entre un ser humano y un cuarto lleno de seres humanos", señala, haciendo referencia a un recurso ampliamente utilizado por El Bardo. "Eso te permite tratar a la audiencia como si fuesen tus mejores amigos. Nunca es un momento indulgente y privado de contemplación. Es un secreto público".
Parte de la respuesta del público, admiten, también se debe a la figura misma de Shakespeare. "Como actores ingleses sentimos que Shakespeare es parte de nuestra herencia inglesa, pero siempre que vamos al exterior nos damos cuenta de que él le pertenece al mundo, y que las audiencias de todo el mundo se identifican fuertemente con lo que él tiene para decir", destaca el actor Robert Pickavance, que también interpretará instrumentos musicales.
A la hora de definir favoritos, Pickavance prefiere no hacer diferencias, mientras que Horwath y Pallant no hesitan. "Siempre me sorprende lo poco que sé considerando la cantidad de obras de él que he hecho", comenta Pallant. "Siempre hay cosas nuevas para encontrar en sus obras. Siento que mi trabajo siempre es más rico con él.
La otra cara
Concebida como la mayor tragedia política de Shakespeare, Coriolano se centra en el legendario líder militar romano Caius Marcius Coriolanus, quien, debido a su carácter, es incapaz de hacer las concesiones necesarias para alcanzar el poder político. Con una ambientación moderna de graffitis y neón, Coroliano se representa en el Teatro Circular los sábados y domingos.
