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Collage, formas y colores: el trabajo del diseñador uruguayo finalista en un concurso de pañuelos Hermès
“Mirá que todavía no pasó nada, no gané nada, solo soy un finalista”, insiste Antonio Carrau. Lo escribe en mensajes de Whatsapp para los periodistas que le consultan, lo dice cuando atiende el teléfono para coordinar esta entrevista y lo repite una vez más ahora, sentado en las oficinas del estudio de diseño Atolón en la Ciudad Vieja de Montevideo. Es un antiguo piso refabricado con tres grandes ventanales por donde se filtran la luz y el ruido de la calle Reconquista.
Carrau se acomoda en la silla. Está rodeado de pinturas, ilustraciones, libros y objetos de diseño desparramados por las estanterías. Entonces, explica: “Lo que pasa es que no quería contar mucho de esto para no secarme”. Pero la noticia jugó bajo sus propias reglas. Alcanzó los sitios especializados en diseño internacional, se escurrió a las redes sociales y de ahí derechito a los medios locales. El título fue: “Un diseñador uruguayo es finalista en un prestigioso concurso de pañuelos Hermès”.
“Todavía no pasó nada”, dice de nuevo Carrau. Pero lo cierto es que –aunque todavía hay que esperar al primero de marzo para saber el final de esta historia– ya pasaron muchas cosas. El pañuelo diseñado por este uruguayo de 31 años podría llegar a las vitrinas de una de las casas de moda más iconicas de Francia y un sinónimo del lujo en casi todas partes del mundo. Carrau primero tuvo que mandar un portfolio. Fue uno de los 97 elegidos entre más de 5.500. Después tuvo que hacer un diseño exclusivo. Fue uno de los 11 elegidos entre los 97. Entonces los invitaron a París a pulir la propuesta. Y ahora espera.
Todo empezó más o menos como siempre, en el pupitre de una universidad privada de Montevideo con un joven desorientado que solo sabía que quería crear. Primero pasó por alguna carrera de administración para protagonizar la crónica de un abandono anunciado. Luego pensó en Bellas Artes, pero era demasiada la incertidumbre. Así decantó en el diseño gráfico.
“Tuve una buena señal: me divertía tener que encarar las actividades del día a día en facultad. Si todos los días te querés matar cuando te sentás a trabajar en la carrera es porque no te gusta. Esto era práctico y manual y me sentía cómodo”, recuerda.
Cuando avanzó un poco más en los cursos, Carrau pensó que era buen momento para empezar a construir su nombre, algo fundamental si querés dedicarte al diseño gráfico de autor en el mercado uruguayo. Pasó por una agencia de publicidad. No le gustó. Justo entonces llegó el primer trabajo grande: un mural en La Barra para una marca de moda internacional en plena temporada de verano. El diseñador vivió hasta el final de su adolescencia en Punta del Este –de hecho ahora dejó la capital y volvió a hacer base en la costa– entonces está bien conectado en ese circuito. El mural fue un punto de partida sólido y le empezaron a llegar más y más propuestas hasta que su estilo, que mezcla diseño con ilustración en soportes analógicos y digitales, desembarcó en el estudio Atolón. Ahí su nombre se esparció por el mundillo del diseño capitalino y ahora, en una de esas, podría viajar hasta Europa.
¿Cómo definirías el estilo de tu trabajo?
Es complicado. Me cuesta definirlo. En Atolón no tengo un estilo marcado, sino más bien una forma de trabajo, que es experimental. En lo que hago a nivel personal tal vez sí hay una línea más marcada, pero se mezclan elementos de distintas áreas –como la ilustración y las artes plásticas– entonces me resulta difícil ordenarlo. Cuando me preguntan qué soy digo diseñador gráfico porque es lo menos pretencioso, pero perfectamente mañana si la búsqueda personal me lleva a eso podría ponerme a hacer, no sé, esculturas.
Trabajás el collage de una manera bastante particular, incluso cuando diseñás pañuelos. Componés en un formato físico, recortando papeles, y después lo pasás a un soporte digital. ¿Cómo surge ese proceso creativo?
Empecé a hacer collage blanco y negro para probar qué pasaba. Hacía texturas con aerosol o pintura sobre papeles que después recortaba en diferentes formas. Hacía todo en blanco y negro porque pensar en composición y forma y a todo eso sumarle color, era demasiado. Después me pasé al papel glasé, que tiene una paleta limitada. A mí las limitaciones me ayudan. Salen cosas más interesantes que cuando tenés acceso a todo. El collage es como un Photoshop en frío; no tenés efectos ni tampoco podés volver para atrás. Lo elegí porque soy muy ruidoso y ansioso y está técnica me permite articular eso.
Es muy común que los artistas visuales o los diseñadores encuentren una técnica o un estilo y se aferren a él, ¿no te aburre recurrir siempre a lo mismo?
Si sos un diseñador súper popular estás totalmente atado a tu estilo porque es lo que te da laburo. Lo más honesto es que cuando tengas ganas de hacer otra cosa, la hagas. Al menos eso es lo que creo hacer yo. Por ahora me sigue inquietando el collage y lo voy a seguir explorando.
¿Qué te inspira en la cotidianidad?
Miro mucho. Hoy saqué esta foto por ejemplo porque me gustó la paleta de colores (Saca el teléfono del bolsillo y en la pantalla hay una instantánea de una planta de hojas violetas empotrada en una maceta turquesa). Esto es un disparador. Es una foto de mierda, pero me gustaron los colores. (Sigue revisando su carrete de fotos hasta que encuentra la de la tapa de un vinilo con un diseño cuadriculado y colorido). Esta foto me la mandó Martín (Azambuja, diseñador uruguayo trabajando en Nueva York) el otro día y me la guardé. (Sigue navegando entre imágenes con el pulgar). Acá, por ejemplo, está la historia de Instagram de un amigo. Es una sombrilla que estaba al fondo de la foto, le hice zoom y llegué a esta paleta de colores que mezcla el azul, el verde y el amarillo. (Guarda el teléfono) No sé si esto es inspiración, pero son las cosas que observo. Puede ser desde una paleta de colores hasta una sombra.
Hace un tiempo que estás viviendo en Punta del Este, ¿influye en tu trabajo o en tu metodología?
No creo que haya una diferencia en el resultado de mi trabajo. Me siento mucho más cómodo viviendo allá. Hasta que entré en la facultad le tenía miedo a la ciudad, cuando vine estaba un poco paranoico. Ahora me pasa algo raro que es que me resulta más relajante vivir allá, pero el ruido y el cemento de la ciudad son más estimulantes, incluso más que la naturaleza. Y eso que suelo diseñar flores. Cuando estoy allá es más inspirador ir a caminar por Maldonado y ver carteles y movimiento, que ir a pasear por el Arboretum Lussich.
Ya habías hecho pañuelos antes del concurso de Hermès, ¿qué tiene de particular o de seductor este formato de trabajo?
Lo primero que hice con pañuelos fue una colaboración con la marca uruguaya Pastiche. Después de eso me quedé con ganas de hacer más experimentos en tela. La tela tiene pliegues, es como una aguaviva. El pañuelo me sirve como formato para probar laburar con tela porque es cuadrado y, como no sé nada de confección, es como trabajar sobre una lámina. Lo que intento hacer son diseños vectoriales duros y llevarlos a tela para que le aporte ese condimento orgánico.
¿Te sorprendió haber llegado a la final del concurso?
Sí. El diseño que presenté (confidencial a pedido de la grifa francesa) fue algo que yo quería hacer y no necesariamente lo que sabía que podía llegar a gustar. Pensé que si iba a pasar por este proceso tenía que ser con algo bien mío.
