La escocesa Belle and Sebastian es una de esas bandas que ha hecho del pop una carrera que nada tiene que ver con los paradigmas más comúnes del género: la falta de contenido, la constante persecución de las últimas tendencias y de llegar a los primeros puestos mundiales. Es de esos grupos que, al insertarles el adjetivo “indie”, se les salva de estos preconceptos del género y los aleja conceptualmente del mainstream.
Sin embargo, con casi 20 años de carrera (los cumplen el año que viene), han logrado que sus ecos lleguen a nuestro país, conquistando a un escaso pero fanático grupo de seguidores. En noviembre de 2010, algunos montevideanos viajaron a Buenos Aires –50 de ellos lo hicieron de la mano de una iniciativa realizada por el bar La Ronda– para participar del debut de Belle and Sebastian en la región. En esa ocasión el Luna Park se llenó.
La banda, asimismo, ha influenciado a músicos locales como Gonzalo Deniz, sea en su personalidad solista Franny Glass o su banda Mersey. De una manera mucho más indirecta se puede escuchar a Belle and Sebastian en bandas como Carmen Sandiego o Julen y la Gente Sola.
La música de Belle and Sebastian es hermosamente pop y (en sus comienzos) lo-fi, con melodías pegadizas, sutiles y medidas. Sus canciones nunca se exceden ni en emotividad ni en instrumentación.
Sus tres primeros discos son clásicos del indie pop de la segunda mitad de 1990, mientras que sus siguientes trabajos consolidaron su sonido y perfeccionaron su pluma. Pero dentro de su estilo, forjado a lo largo de ocho discos, en su noveno y último se encontró lugar para el cambio.
La paz y el baile
Desde el otro lado del océano Atlántico, el baterista Richard Colburn habló con El Observador sobre Girls In Peacetime Want To Dance, el disco que saldrá para todo el mundo el martes.
Es un disco esencialmente Belle and Sebastian. Las narraciones y el humor sutil, las melodías y las armonías vocales están presentes.
A lo largo de sus discos, su líder, Stuart Murdoch, escribe en primera persona, pero muy poco. The State I Am In, de su disco debut Tigermilk (1996) o Act of The Apostle II (The Life Pursuit, 2006), se tratan de personajes que hablan del yo. Pero en ningún caso ese es el propio Murdoch. En Girls in Peacetime Want to Dance, eso cambia.
Con Nobody’s Empire, el tema que arranca el disco, por primera vez hay una impronta autobiográfica. Murdoch habla del Síndrome de Fatiga Crónica que sufrió mucho antes de que su banda existiera. Pero ese es una innovación sutil, que no se revela claramente en la letra, sino que se apunta en gacetillas y entrevistas al músico. La más evidente es el cambio sonoro.
Este disco tiene una diversidad interna muy clara. Y lo deja claro en el título: las chicas quieren bailar. En sus discos, muchas de sus canciones hacen mover la cabeza al ritmo. Pero no estaban específicamente pensadas para mover los pies.
Así aparecen temas como el pegadizo The Party Line, el primer corte del disco, Enter Sylvia Plath, The Power of the Three y Perfect Couple.
Hay música disco, europop y rastros de electrónica en versiones que no desentonan al carácter pop de la banda. “Las canciones aterrizaron solas en esos estilos, que no son los que normalmente tocamos”, explicó Colburn. “Hay algunas son más disco y otras más oscuras. Si eso es lo que demanda la canción, no podés ir en contra”, agregó.
Para realizar este álbum la banda viajó a Atlanta para trabajar por primera vez junto al productor Ben H. Allen, que los sacó de sus costumbres y los hizo confiar en la espontaneidad.
“Fue muy diferente a como grabamos anteriormente. Tocábamos la canción tal vez tres, cuatro veces, y cuando el productor nos decía que estaba pronto para grabar, la tocábamos de nuevo y enseguida nos decía que ya estaba listo. ¡Y yo pensaba que todo eso era el calentamiento!”, contó entre risas Colburn. “Nunca habíamos trabajado así. Es un productor e ingeniero del mundo del hip hop, así que está acostumbrado a trabajar rápido y en forma muy honesta. Fue un completo torbellino”, continuó.
Luego de The Party Line, la gran sorpresa de este disco es Enter Sylvia Plath, un europop que parece ser resultado de dos razones: el fanatismo de Murdoch por el concurso Eurovisión y el gusto de Colburn por el disco.
“Somos fanáticos del concurso. Las cosas más locas suceden ahí”, afirmó el baterista. Por su parte, en una entrevista con la revista Rolling Stone, Murdoch contó que a la hora de componer buscaba capturar el espíritu de posibles concursantes de “Chipre de 1974” o “Alemania en 1989”. El tema The Everlasting Muse podría haber comenzado a partir de este puntapié.
“Por alguna razón, Stewart siempre quiso que participemos. Ahora no lo haríamos, pero hace unos años podríamos haber intentado. No lo hicimos por temor a quedar afuera”, dijo Colburn en una carcajada.
Por su parte, el baterista, que también es DJ, se declara fan del disco, el soul y el funk. Y a la hora de pasar música, su base son grandes hits que hagan bailar. “Uno de mis temas favoritos como DJ es I Feel Love de Donna Summer, realizada por Giorgio Moroder. Y no está muy lejos de nuestra canción”, afirmó. Por consiguiente, Enter Sylvia Plath es su preferida del álbum.
También, el disco de Daft Punk, Random Access Memories fue una referencia. “Definitivamente tomamos de ese disco. Todo el trabajo de Daft Punk a lo largo de los años ha sido muy inspirador. Para mí definitivamente es una de las bandas de las que tomo ideas”, confirmó.
Con sus años en la ruta, la banda que logró hacer de su sonido una influencia identificable en otras bandas del pop occidental, mostró que puede salir de su zona de confort y lucirse de igual manera.
¿Cuál es entonces su fórmula? “Es ensayo y error”, dijo Colburn, y agregó: “Si no funciona, hay que seguir adelante hasta llegar a un lugar que la canción comience a tomar forma y sentido. A veces toma un segundo y a veces, muchísimo tiempo. Pero se trata de perseverar y seguir avanzando. No insistir con algo que no va a funcionar. La música pop merece calidad. Y eso es difícil de lograr”.
