El Ballet Nacional del Sodre (BNS) presentará una renovada versión de El Cascanueces, una de las piezas cumbres del repertorio clásico y tradicional cita de cierre de temporada. La obra subirá al escenario de la Sala Eduardo Fabini del Auditorio Nacional del Sodre entre el 10 y el 20 de diciembre, con música en vivo a cargo de la Orquesta Juvenil del Sodre.
Este jueves en La Playlist, en el canal de streaming de El Observador, la directora del BNS, María Noel Riccetto, y la coreógrafa y dramaturga de esta versión, la exbailarina Rosina Gil, revelaron los pormenores de esta adaptación, que se aparta del libreto tradicional para ofrecer una lectura con énfasis social, protagonismo juvenil y un homenaje integral al oficio escénico.
Una dramaturgia renovada: de la fábrica de juguetes al "país de las posibilidades"
El clásico navideño basado en el relato de E.T.A. Hoffmann (El cascanueces y el rey de los ratones) y adaptado por Alejandro Dumas ha sido históricamente abordado desde la perspectiva burguesa decimonónica de una fiesta familiar de Nochebuena. La propuesta de Rosina Gil, convocada especialmente por Riccetto para asumir la dirección coreográfica y la dramaturgia, introduce un quiebre estructural desde el primer acto.
"Está centrada en un adolescente que luego se transforma en Cascanueces, pero que comienza trabajando en una fábrica de juguetes junto a otros niños de distintas procedencias, confeccionando los muñecos que otros recibirán en Navidad", explicó Gil. En este abordaje, los roles de las danzas características del segundo acto —española, árabe, rusa o china— encuentran su justificación dramática inicial en las identidades de esos pequeños operarios.
Ante la situación de explotación en el taller, interviene la figura de Drosselmeyer. "Cuando ve esta situación inaceptable, decide actuar. Para liberarlos, primero los transforma en muñecos de madera; allí es donde uno de ellos se convierte en el Cascanueces, mientras que a los dueños de la fábrica los transforma en ratas", detalló la coreógrafa.
El planteo escénico juega con diversas dimensiones y cajas chinas: desde pequeños teatros de marionetas contenidos en un maletín hasta un gran carromato teatral inspirado en la tradición de las compañías itinerantes italianas.
En el segundo acto, la tradicional corte del "Hada de Azúcar" en el País de las Golosinas da paso al "País de las Posibilidades". Gil concibió este espacio como una metáfora directa del propio teatro: "Es un lugar lleno de posibilidades, que es lo que sucede adentro de un teatro. Detrás de escena puede ocurrir cualquier historia; esto busca festejar al teatro, a los técnicos que hacen la magia y a las infancias".
La reposición cuenta además con un rol central reservado para los alumnos de la Escuela Nacional de Formación Artística (ENFA) del Sodre, quienes encarnan a los niños en las transiciones temporales de la trama. "En esta versión los niños son los verdaderos protagonistas; al final del ballet tienen un despliegue coreográfico determinante", sostuvo Gil.
El desafío creativo: ensayos domésticos durante el embarazo
El proceso de gestación de la obra implicó retos logísticos y personales para Gil, quien recibió la encomienda artística en un momento clave de su vida personal: el embarazo de sus hijas gemelas, cursado en régimen de reposo médico preventivo.
"Colocar la cabeza en algo creativo en ese momento estuvo muy bueno. Fue volcar todo lo que estaba viviendo en un proyecto vinculado a las infancias", recordó la coreógrafa sobre los meses en que diseñó las secuencias de movimiento en el salón de su hogar.
Sin posibilidad de pisar las salas de ensayo en las etapas iniciales, Gil apeló a la experimentación doméstica: "El proceso previo a llegar al Sodre fue armar coreografías con chapitas sobre la mesa y filmar videos en el living, en medio de los coches y el corral de las bebas. Le pedía a mi pareja que se parara en el medio de la sala para poder usar un cuerpo de referencia, moverle los brazos y medir los tiempos de traslación. Por eso, llegar luego al auditorio con espacio real, pianista acompañante, espejos y los bailarines fue una liberación absoluta".
La relación entre Riccetto y Gil remite a décadas compartidas en el ámbito de la danza. Ambas transitaron trayectorias formativas análogas en la Escuela Nacional de Danza y compartieron escenario tanto en producciones tempranas de El Cascanueces —donde interpretaron sucesivamente los roles infantiles de ratoncitas y hormigas— como en sus respectivas etapas adultas, tras desarrollar extensas carreras profesionales fuera de fronteras.
"Admiro su capacidad para imaginar mundos y plasmarlos luego en la danza", subrayó Riccetto. "Cuando vino a mi oficina a leerme el libreto que había escrito en su celular, me pareció brillante cómo le dio una vuelta de tuerca a un argumento archiconocido sin prescindir de los pilares que la partitura de Chaikovski exige mantener intactos".
Talleres propios y soberanía técnica: la política de gestión del BNS
Una de las premisas que ha guiado la gestión de María Noel Riccetto al frente de la dirección artística del BNS es la consolidación del Auditorio Nacional como una casa productora autosuficiente, reduciendo la dependencia del alquiler de escenografías o vestuarios provenientes del extranjero.
En esta temporada, la totalidad del montaje —desde los bocetos iniciales hasta la utilería mecanizada— fue construida por las divisiones de Escenografía, Pintura, Vestuario, Utilería y Luces del Sodre. El diseño escenográfico estuvo a cargo del estudio Siete Grillos, mientras que el diseño de vestuario fue confiado a Maite Gómez.
"Siento que cada vez que el Auditorio, con todas sus áreas, se involucra directamente en lo que hacemos, se consolida un sentido de pertenencia imprescindible", remarcó Riccetto. "Somos privilegiados de tener un teatro de producción pública donde se pueden construir cosas de este nivel; eso no sucede habitualmente en la región ni en el mundo".
La directora fundamentó su postura como una directriz de gestión institucional: "Nos planteamos que, al menos, una producción al año debe ser enteramente realizada en nuestros talleres. Aunque en ocasiones el coreógrafo sea extranjero, lo que ofrecemos es un equipo realizador nacional. La gente a veces se sorprende y dice que el espectáculo parece hecho en el exterior, pero me importa remarcar lo contrario: esto se hace acá, con nuestros técnicos y artesanos".
Riccetto concluyó reflexionando sobre las restricciones presupuestarias que periódicamente tensionan el ámbito cultural: "Muchas veces la cultura queda relegada frente a otras urgencias sociales indiscutibles, pero a quienes gestionamos estos organismos nos corresponde defender las herramientas que tenemos. Hemos sido sumamente respetuosos de los recursos asignados, pero la aspiración de producir con excelencia y generar empleo calificado para nuestros talleres permanece inalterable".
