Ohm empezó en las computadoras de los miembros del grupo, para luego convertirse en una sesión de juego en el estudio bonaerense La siesta del fauno, un espacio repleto de sintetizadores analógicos de distintas épocas que pintan un disco pop, que suena como el soundtrack de un video juego o una película retrofuturista. Un disco en el que se cruzan Cristian Castro con Hugo Fattoruso, los arcades con el manga.
El disco también está marcado por la historia de la música electrónica, el vínculo de cada músico con ese género, y las distintas épocas y referencias que atravesó, desde el disco Switch on Bach de Wendy Carlos hasta Daft Punk o el synthpop de los 80.
Junto a Campodónico, Luciano Supervielle cuenta que “lo de Wendy Carlos en su momento, en los 60, fue transgresor y futurista, de hecho se usó en La naranja mecánica también como una cosa tipo, ‘lo que imaginamos que es la música del futuro’. Y ahora nos acercamos como si fuera música tradicional’.
Y Campodónico agrega: “Un leitmotiv que decimos en este disco es ‘el futuro era el de antes’. Era otro futuro”.
Antes pensábamos en el futuro como un lugar mejor, con progreso, ahora la idea del futuro casi siempre es fatalista.
Juan Campodónico: Claro, la era espacial, el hombre iba a llegar a la luna y iba a pasar de todo. Era un futuro mucho más positivo, el futuro de hoy es casi siempre distópico, no es lo único pero es lo que predomina.
Luciano Supervielle: El disco tiene Ohm como título por el significado de esa unidad de medida, como la que se usa para la resistencia. En este caso llevada a una cosa artística de resistencia a ser guiado sin reflexión, como una especie de manada. Resistencia a no reflexionar sobre nuestro entorno, sobre la tecnología.
Y Ohm se representa con omega, letra que se asocia con los finales.
JC: Totalmente. El fin de los tiempos (risas). Es una resistencia dentro de los circuitos eléctricos y el omega representa el final, es interesante el contexto que le da a esta música y pone como una cuestión de reflexionar sobre el tiempo, sobre la evolución, y también usar la electrónica quizás de otra época para comentar sobre lo contemporáneo.
Incluso lo de resistencia eléctrica, resistir con instrumentos eléctricos, electrónicos, sonidos eléctricos.
LS: Pero utilizados de una manera súper orgánica y humana, que también es el reflejo bajofondero de siempre estar de alguna manera conectado con el tiempo en el que vivimos. Porque los primeros discos de Bajofondo eran de otras épocas, sin embargo eran discos actuales para ese momento. Consideramos que este es un disco actual para la época en la que vivimos, porque nos apropiamos de la electrónica, pero a nuestro beneficio, como una herramienta creativa, artística, sensible, resistiendo al empaquetado al que están tratando de imponernos en muchos sentidos, negándonos el tiempo de reflexión.
Embed - Bajofondo - Tic Toc Toc (Video Oficial)
Cuando parten desde este lugar, de esta idea para el disco, y empiezan a componer, a repasar ideas, y a compartir entre ustedes, en toda esa cuestión que cada uno trae sus influencias, referencias, gustos, ideas, ¿hubo algo de pensar la historia personal con la electrónica? ¿En qué momento empieza a aparecer eso en el radar?
JC: Cada uno trajo su mirada sobre la temática. A la bolsa de temas con los que trabajamos, yo por ejemplo traje Se fue el sol, que es un tema re de la era del electro, de los ochentas, que es una cosa que a mí en lo particular me pegó mucho cuando era chico. Javi trajo el Switch on Bach, que es muy sesentero, Javi tiene toda esa influencia. Luciano trajo El horizonte.
LS: Es un tema que hace referencia a la música de los animés y los mangas que cuando yo era chico leía en Francia, que también conecta con una especie de french touch que dejó Daft Punk y toda esa generación que tienen mi edad, también curtieron esa música y esas influencias, que se ve mucho en Interstella 5555, la película de Daft Punk. Y Gustavo a su vez tiene otra conexión distinta. En Bajofondo todos somos muy melómanos y a todos nos gusta una gran variedad de cosas, y somos muy curiosos, pero efectivamente nos ha ido empapando de distintas maneras a través de los años, porque somos de generaciones diferentes. Acá abordamos la electrónica ya no como en el primer disco desde una cosa de tendencia moderna, sino como un gesto dentro de lo que hemos hecho siempre con Bajofondo de acercarnos a la tradición, que en algún momento fue la tanguera, la folclórica o la del rock, y ahora es la de la electrónica.
Revisitar el pasado desde el presente, mezclando tradición con influencias contemporáneas fue algo que ustedes hicieron desde el comienzo del proyecto, que quizás en aquel momento era más llamativo. Ahora eso sin embargo es una tendencia dentro de la música pop.
JC: Con Bajofondo fuimos bastante pioneros en hacer explícito ese viaje de ir a lo más de tendencia yendo, también, a las cosas de raíz o a la búsqueda de la identidad. Eso siempre fue una guía para Bajofondo, desde el comienzo, y en su momento teníamos que explicar estas ideas porque eran un poco raras. “¿Por qué hacen toda esta cosa techno pero también con tango?”. Chocaba, pero con el tiempo algunas de esas ideas también han ido floreciendo y creciendo, y hoy en día grandes números de la música mainstream están basados en ese concepto.
LS: Ahí se abrió una discusión grande, que está buena, con toda la polémica que hubo con Bad Bunny. A mí personalmente me gustó mucho su último disco, pero hubo muchas críticas que decían que era una mirada de la música de Puerto Rico desde Estados Unidos. Nosotros también jugamos desde el principio con Bajofondo con esa especie de rivalidad inventada que se había armado con Gotan Project, de que nosotros no hacemos tango electrónico, hacemos música del Río de la Plata porque venimos de acá y vivimos acá y ellos están en Francia, o sea que también está esa dimensión. Nosotros decíamos que jugábamos al fútbol como sudamericanos y ellos como europeos, que esa era la distinción.
¿Y más allá de mirar al pasado y al futuro, también se preocupan conscientemente de mirar al costado, al presente?
JC: Siempre fue la idea. Revisar cosas e inspiraciones que podían venir del tango en aquel momento era para ser contemporáneo. Nunca pretendimos conectar con lo que significaba la sensibilidad de esas referencias que usábamos en su momento, porque es imposible. La única opción que nos quedaba como artistas era ser fieles al mundo en el que estábamos y quizás esa metáfora de usar músicas de otra época y recontextualizarlas es igual que la metáfora en literatura, cambiar el sentido por el contexto.
LS: Y creo que eso también hace que nuestros discos también sean más atemporales. Están conectados con la época en la que fueron saliendo, pero a su vez tienen una mirada más amplia.
Embed - Bajofondo, Cristian Castro - Se Fue el Sol
Ohm es un disco muy pop. No solo por canciones que lo incluyen, como Se fue el sol, sino en referencias pop como tener una canción que se llama Tres empanadas, como la frase de Esperando la carroza, o el usar sonidos de videojuegos famosos.
JC: No es un disco de canciones pop, porque es un disco mayormente instrumental, pero sí es cierto que toca muchos elementos de la cultura pop muy ampliamente. Hay temas que hacen referencia a la música de los primeros video games, de los arcades, hechos con una Commodore de 8 bits, esas computadoras muy viejas que hacían esos sonidos pixelados de esos juegos. El disco tiene un montón de sugerencias a través de lo sónico, de hecho empezó como una idea, lo diseñamos componiendo con técnicas más actuales, con la compu, con plugins, y en un momento quisimos pasar toda esa composición a instrumentos de época, o sea sintetizadores analógicos de los 60, de los 70, de los 80. Conectamos con un estudio que se llama La siesta del fauno, que lleva Ernesto Romeo en Buenos Aires, que es un docente, especialista en sintetizadores, un gran conocedor de toda esa cultura y fue nuestro ingeniero para traducir todo lo que teníamos programado en la compu a instrumentos reales, analógicos, de diversas épocas. Estuvimos una semana metidos ahí entre aparatos, unas heladeras de sintetizadores que parecen centrales telefónicas llenas de cables y el sonido del disco es eso que se plasmó en ese estudio con esos instrumentos retro, electrónicos pero de otra época y eso fue lo que terminó de darle una textura al sonido del disco y muchas de las referencias sónicas se volvieron más reales también.
LS: Y me parece que también, mucho por el trabajo de Gustavo y Juan, que son como los directores de orquesta de todo esto, en todos los discos de Bajofondo tratamos de reírnos de nosotros mismos. Hay un poco de humor, de desacralizar, de quitarle un poquito de importancia. En este disco es bastante explícito lo de que nuestra música no da todas las respuestas, hay cosas ahí que pueden ser interpretadas de distintas maneras, hay referencias o hay varias capaz de lectura para muchos temas que tiene que ver con eso. Es como intelectual pero hasta ahí nomás.
Mientras Bajofondo descansa, ¿qué tanto está en la cabeza de ustedes?
JC: Le encontramos los momentos. No es una cosa de todos los días, pero por suerte hemos tenido la posibilidad de compatibilizarlo con otro millón de actividades que tiene cada uno y valorarlo lo suficiente para hacernos el espacio y poder seguir haciendo discos y poder seguir creando para Bajofondo. Es un lugar que intentamos cuidar y preservar para que este instrumento creativo siga funcionando. Con el tiempo se ha logrado abrir paso, este disco no tiene nada que ver con el anterior, no estamos repitiendo una fórmula, no lo hacemos por ninguna necesidad pragmática, es una cuestión que tiene que ver con unas ganas de crear con estas coordenadas y de desarrollar esta personalidad musical que es Bajofondo. Hay una admiración muy grande de todos con los demás y de tener la chance de poder hacer música juntos.
LS: Hemos tenido distintas épocas en Bajofondo. Una más al principio del primer disco de estudio en el que había más presencia de DJ sets a nivel escénico, después tuvo una etapa muy larga de mucha gira, como más banda de rock. Hoy en día estamos de nuevo en una etapa en la que tocamos mucho menos. Creo que a nivel de los discos siempre ha habido un proceso que tiene que ver con, primero una reunión de Juan y Gustavo a tirar los conceptos básicos, después los demás empezamos a traer ideas, hay todo un trabajo en conjunto y después finalmente vuelve a manos de Juan y Gustavo. A veces pasan muchos meses, hasta años, y entonces es gracioso porque son discos que requieren tiempo de maduración y cuando finalmente vamos a escuchar las últimas mezclas es tipo, “no me acordaba de esto”. A veces nos ponemos un poco ansiosos, pero ya estamos acostumbrados a trabajar así.
